Как работать с вдохновением.

Продолжение статей "Про музыку" и "Про вдохновение"

автора Олега Каранова. (Основателя музыкального проекта Fantastic Style)

Прежде чем осветить практические методики, думаю нужно еще немного рассказать о том, как вдохновение и методики работы с ним могут оказать влияние на людей разной степени подготовленности. На разной степени подготовленности с упражнениями на вдохновение - могут быть:

а) НОВИЧКИ - Ничего не дать, ибо ещё не чем

б) ПРОДОЛЖАЮЩИЕ НОВИЧКИ - Помочь начать творить (скромное касание понимания)

в) АКТИВНО ПИШУЩИЕ НОВИЧКИ - Помочь заканчивать произведения для тех, у кого есть наработки, но нет цельных произведений (некоторые приемы)

г) ЛЮДИ С НЕКОТОРЫМ СТАЖЕМ - Помогут писать бойко, вдохновенно и офигенно. (все основные методики будут указаны тут)

д) ЛЮДИ НАПИСАВШИЕ УЖЕ НЕМАЛО - Помогут найти свой собственный уникальный стиль и глубокую выразительность. (глубокое понимание вдохновения)

 

Все этапы я даю с возрастанием сложности и разным уровнем подготовленности. Итак:

 

 

Новички

(Профи пропускают чтение этого раздела :)

Люди которые хотят, но часто, не знают точно чего и как этого добиться)) Как я и говорил, вдохновение использует то, что вы смогли отложить в своей памяти - визуальной, слуховой и кинестетической. Чтобы вдохновение могло работать с чем то, вам нужно это нечто заложить сначала. О, нет, для этого вам не потребуется оканчивать Гарвард и 10 лет практики йоги на вершине одной из гор Тибета)) Вдохновение будет работать с любым материалом, который вы хотя бы немного отложили) Возьмем для примера аккустическую гитару или фортепиано.

Прежде чем работать с техниками вдохновения, попробуйте разучить простые трезвучные аккорды мажорные и минорные и уметь их сыграть от любой ноты (имеется ввиду 12 полутонов, заполняющих октаву) с каким-то незамысловатым ритмом. Этого достаточно для новичка, чтобы заполнить тот самый «склад», на который придет вдохновение в поисках материала для новой постройки. Сразу скажу, для тех, кто хочет быть очень крутым и лучше всех - не надо так :) От этого рождаются перекосы в развитии, которые ведут к жестоким проблемам) Самое лучшее развитие - это гармоничное, когда ты уделяешь разным аспектам мастерства понемногу внимания, и они растут все понемногу, параллельно. Вот это и есть здорово) Выучить 1000 аккордов, прежде чем вы напишите первую песню - нет, увы, не здорово) поверьте) Практически львиную долю песен можно воспроизвести на обычных трезвучиях)

Итак, заполняем свой «склад» первыми наработками) Конечно же стоит играть чужие песни (если разговор про песни) - это придаст цельности и практики. Берите те что нравятся, но желательно разных авторов. Иначе в итоге может получиться потом, что вы знаете только Цоя, и все что вы можете сочинить - это песню в стиле Цоя. Гораздо интереснее будет, если у вас будет появляться микс из разных стилей песен) Хочу предупредить - не стоит недооценивать силу таких вещей как трезвучие.

Да, это простота. Однако! Это фундамент, который используют и все профи - 100% факт. Просто сначала фундамент - потом наработки, дополняющие его. Научитесь пользоваться фундаментом и он сослужит вам верную службу в последующей всей музыкальной практике и роста мастерства. Разучили 5 песен и все аккорды мажора и минора? Что ж тогда идем дальше)

 

Продолжающие

(Тоже для новичков, но уже со знанием некоторым. Выпустившие более одного произведения музыкального пропускают этот раздел)

Если у вас уже есть аккордовый запас, то самым логичным этапом вашего творчества будет - комбинирование этих аккордов в новые последовательности. Конечно же, я советую делать это и просто так слушать, что получается. Метод тыка никто не отменял. Если вам так хочется , то значит сама вселенная тоже за) Если вы ищете новые последовательности, то значит сам ваш ум уже настроен на один из важных аспектов вдохновения - готовность и желание найти новое) Аккордовая последовательность на гитаре сыгранная с каким-то ритмом (что вы натренировали на других песнях) и намурлыканная голосом мелодия на эти аккорды - уже суть творения песни, которая  вполне достойна на продолжение! Если же у вас есть какие-то кусочки музыки, но вы не закончили произведение - читаем следующий раздел.

 

Активно пишущие новички

(профи пропускают)

Среди активно пишущих новичков немало людей, у которых есть такая проблема - приходит вдохновение, пишется какой-то кусочек музыки. Потом вдохновение проходит, и развить кусочек музыки не удается. При попытке же склеить кусочки музыки написанные в разные моменты - выходит ощущение нецельности, как-будто они не очень подходят друг другу. Итак, решаем эти проблемы  еще до того, как вникнем в методики вдохновения такими методами:

1) Делаем запись вашей музыки в ноты в программу, которая может воспроизвести это виртуальными инструментами. Например, подойдет программа Guitar Pro.

 

В чем суть приема

Прием №1:

Вам важно ваше творение услышать со стороны. И слушая его со стороны, вы сможете почувствовав понять, услышать внутри головы, каким образом хочется его изменить, какими партиями дописать, или как продолжить.

В свое время этот прием стал настоящим прорывом - я писал какие-то аккомпанименты или их части,  и слушая внимательно все на записи, в голове стали появляться идеи, чем их дополнить, как изменить. Я просто стал слышать в голове дополняющие партии, которые имел желание дописать. Потому, надеюсь и у вас так сработает)

 

Чтобы продолжить мысль

Прием №2:

Пробуйте после окончания вашего кусочка музыки поставить новый аккорд - может быть кратко (восьмушкой или четвертью) с тишиной после, или наоборот поставьте мягкий инструмент наподобие пад и дайте аккорду позвучать длительно. Так же, прослушивая со стороны кусочек написанной музыки и слушая новый аккорд, он вам подскажет новое эмоциональное развитие, новый поворот мысли в этом месте. Так же и с тишиной после него или на тянущийся звук вы можете в голове услышать новую музыку, продолжающую в этом новом повороте ваше произведение.

 

Все эти приемы уже до некоторой степени подразумевают, что вы работаете с записью вашей музыки например в Guitar Pro и стараетесь там делать свои аранжировки. Стоит освоить понимание ансамблевой аранжировки и составляющих ее базовых инструментов на этом этапе. Если вы пишите песни в стиле поп - это 1) Партия ударных 2) Партия баса 3) Партия подклада или pad 4) Партия верхнего аккомпанемента (например, это может быть фортепиано или акустическая ритм-гитара) 5) Солирующая мелодия вокала.

 

Прежде чем перейти к следующей части, желательно знать все аккорды-трезвучия, писать музыку песни и заканчивать ее с полной аранжировкой например в Гитар про, что будет означать, что у вас есть уже и понимание нотных длительностей и формы произведения и аранжировки. Этот базис необходим, чтобы ваши упражнения в методиках вдохновения - не оставались маленькими росчерками-экспериментами, а стали рабочим инструментом созидания - эффективным и мощным.

 

Люди с некоторым стажем

Ну что ж, вот и добрались до методик вдохновения :) Итак, понеслось)

 

1) Картинки, что вдохновляют. Найдите чувство, до того как сели за инструмент.

Большинство людей - визуалы. Видимо, это может не помочь людям другого склада, но берем пока большинство. В основе вдохновения лежат чувства, образы, бессознательные и осознанные переживания. Именно эти вещи запускают процесс вдохновения и наша задача разными методами пробудить их. Чтобы их пробудить можно воспользоваться чужими произведениями искусства, уже содержащими чувственный посыл и на визуальном канале восприятия. Это один из самых простых и доступных методов пробудить наши чувства.

 

Открываем интернет - находим картинку, что цепляет и пробуждает чувства. Вуа-ля. Сейчас ваше вдохновение отправляется в резервы вашей памяти и ищет, чем же выразить ваши чувства, ваши наработки. Попробуйте составить например, аккордовую последовательность, которая выражала бы ваши чувства. Хотя, это может быть не только аккорды, но и что угодно вообще - звучок, риф, мелодия, ритм. Просто аккорды - важны как фундамент на мой взгляд, но не обязательно для всех.

Чувство можно передать в виде гармонического ощущения последовательностей аккордов, можно с помощью и других вещей, но, в целом в произведении все его элементы и передают то самое чувство. Просто что-то первым выходит вперед, то с чем вам удобно работать.

 

Мое предложение потренировать гармоническое выражение, чуть ниже объясню почему. В целом, посыл этой методики в том, что прежде чем писать что-то, найдите нужное чувство. Картинка, которая чем-то вас трогает - это быстрый и хороший рабочий вариант. Однако, чувство может быть найдено не только на инструменте, но и другими методами. Может вас впечатляет какое-то собственное яркое переживание, фильм, рассказ - любой источник чувства может запустить вдохновение. Смысл этого пункта - еще раз попробуйте найти нужное чувство до того, как сели за инструмент. Есть? Отлично, идем дальше!

 

2) Аккордовые последовательности как источник запуска вдохновения и способность выражать чувство через нахождение последований аккордов.

Попробуйте взять последовательность из нескольких аккордов, которая бы вам нравилась и даже может придайте им какой-то ритм. Лучше всего - запишите их в вашу программу записи миди.(например Guitar pro) Взяв ручку и бумагу, прочертите три столбика и напишите в них:

 

Чувство (настроение) / Образ / О чем (повествование)

 

Теперь зациклив воспроизведение вашей связки придуманной из аккордов, и слушая ее, начинаем стараться заполнить эти столбики. Пробуем описать, какие настроения по вашему отражает эта связка аккордов, какие чувства, образы, и дойти до того, чтобы прям, увидеть в воображении целый фильм, историю. Все это может привести не только к вдохновению, но и уже осознанному выражению чувств, а также истории, сюжета, событий. Примерно так, как с этим работают композиторы фильмов)

Что важно. Кроме методики запуска вдохновения, занимаясь подобным образом, вы придете к проработке связки: чувства и образы - аккордовые последовательности.

 

Именно так и закладывается профессиональная связь между тем, что вы хотите выразить и тем, чем вы это выражаете. Чем больше практики в этом направлении происходит - тем проще и быстрее и легче и больше ваши чувства привыкают выражаться через этот канал.

Тут многие спросят - так что теперь гармония и аккорды все рулят и все тут? Ответ - если вы не Акын и у вас нет желания выражать себя долгим подергиванием одной струны с изменением характера динамики ее тембра, то скорее всего, вы так или иначе будете писать произведения из нескольких звуков. Любое сочетание нескольких звуков даже в разных партиях разных инструментов, суммируясь в одномоментном звучании, дают какое-то сочетание звуков, которое и можно назвать аккордом. Просто подобный подход можно назвать уже полифоническим, но гармония есть и в нем.

Просто взять аккорд - это простая основа, вести его в разложенных голосах - это просто уже следующий уровень мастерства. В целом в выразительности вашего чувства будут участвовать все аспекты и мы как раз говорим сейчас о фундаментально-базовых.

 

Сделаю небольшую ремарку тут, так как уверен многие столкнутся с проблемой, которую я сейчас опишу при работе с аккордами. Речь пойдет о нарушении квадратичности. Для начала - что такое вообще квадратичность? Пожалуй будет верным сказать, что это например - 8 тактов. И для начинающих это пожалуй главный ориентир - постарайтесь укладывать вашу мысль, последования аккордов так, что бы ваша мысль оканчивалась и была выражена строго в 8-ми тактах. Это позволит вам - не бороться с нарушениями квадратичности и ощущением, что в вашей музыке что-то не так. Сколько аккордов вы впишите в 8 тактов - это ваше дело) Однако нарушение квадратичности - это сложный профессиональный прием, который используют в таких стилях как например - прогрессив-рок и прогрессив-метал. Но начинающие на этом мозг сломать могут и точно сломают) Но прошу вас - не надо так :) 

3) Ритм - как фундамент выразительности в движении

То что вы нашли в ваших чувствах до того как сели за инструмент, или найденные вами образы и чувства с аккордами или аккорды найденные от чувств - с этим мы можем двинуться дальше и задать им ритм.

Созерцая ваше переживание чувственное, образное, осмысленное или не очень :) - Начните ладошкой по коленке (по своей желательно:) отстукивать ритм, который отражал бы настроение того, что вы чувствуете!

Ритм нужный - может сразу прийти вам в голову и сознание, и у вас будет просто ощущение того, что это тот самый ритм, который нужен. Но так как мы должны сделать выражение вашего чувства через ритм профессиональным навыком, то попробуйте охарактеризовать осмысленно "какой по характеру этот ритм" - может он будет беспокойный, задумчивый, напористый, победный, с вызовом, извиняющийся, неуверенный, скрывающийся, страстный, злобный, гадкий, милый, порхающий? Попробуйте охарактеризовать осмысленно тот ритм, что выражает ваше чувство.  Поэксперименитруйте с вариантами характеристик/ритмом их выражающих)

Весело? :) Возможно кто то уже тащится)) А вот вопрос в том, что с этим ритмом на коленке дальше делать? Скажу так, вообще применить его можно так - начать еще напевать и ваш ритм легко превратится в мелодию или например, партию бас-гитары) Но я призову вас направить его в несколько ином направлении. Тем самым обретете цельность всех методик - мы возвращаемся к нашим барашкам аккордам и делаем следующее - разделяем наш аккорд на две части - внизу останется бас, а вверху вся остальная часть аккорда дублирующая и бас в том числе) Может быть через октаву даже, что удобно для этой техники. Теперь ваш ритм, выражающий наше чувство и воспроизведенный на своей коленке, мы распределяем как перекличку между двумя этими частями аккорда - играем бас один повтор или несколько, и затем верхнюю часть аккорда. Тем самым  создаем вариант ритма, вернее его распределение между верхом и низом как считаем лучше, так чтобы звучало. 

В итоге, у нас уже могло быть чувство до того, как мы сели за инструмент, мы выразили его в аккордовой последовательности и в ритме, которым мы исполняем аккордовую последовательность.

 

Осталось последнее.

Пробуем написать мелодию и используем тот же ритм нами сочиненный для нее, только напеваем ее и наигрываем одновременно на инструменте. (Внимание - это еще один важнейший прием вдохновения! Когда мы поем мелодию - запускаются механизмы выразительности и чувства, пение своего рода медитация. Но у нее есть и недостаток - пением иногда трудно найти ноты, которые попадают точно в обыгрывание звучащих аккордов.

 

Когда же мы играем - мы находим эти ноты, но часто остаемся безучастными к получающейся мелодии, не чувствуем ее эмоционально и выразительно. Петь и играть вместе одновременно тоже самое на инструменте - золотой прием берущий лучшее "от двух миров") Поем тот же ритм, но местами делаем его чуть более дробным, чем в аккомпанементе, а местами - более длительным. (Аккомпанемент играет на записи в том случае, когда мы поем и наигрываем мелодию одновременно на инструменте.) Так сказать, обыгрываем ритм и думаем - что говорит нам ритм нашей мелодии, какие чувства он нам сообщает (так же, как мы характеризовали ритм исходный)

 

Если и при этом мелодию написать вам все еще сложно, а это бывает не редко, в случаях сложной не тональной гармонии, то делаем следующее - находим небольшую фразу, мотив и записываем ее в ноты midi в ваш уже записанный с аккомпанементом проект и тут мы можем услышать в голове продолжение или методом тыка подставлять случайные ноты и прослушивая со стороны (прием вдохновения о котором я уже упоминал) довести мелодию до ума!

 

Все, теперь ни что вам не должно помешать победить в окончании написании мелодии)) Конечно ее развитость или развитость ее фразировки будет зависеть от вашего опыта, так что тренируйтесь)

Итоги и выводы.

Мы учимся всем этим пробуждать, поддерживать и выражать чувства и делать это цельно. Используем пробуждение вдохновения через чувства еще до того как сядем за инструмент и по-максимуму взаимодействие чувств с выражающими их основами - гармонией, ритмом, мелодией как цельной песни.

Учась подобной методике, я могу смело сказать, очень здорово прийти к тому, что вы сможете от любого исходного элемента стартовать, а остальные присовокупить к нему. Например, вы можете первым найти ритм, а потом к нему аккорды и мелодию.

Можете первой найти мелодию, а потом присовокупить к ней аккорды и ритм похожий на мелодию, но более усредненный. Начало от любого из этих вариантов потребует своего навыка мастерства, но я уверен что владение всеми тремя вариантами - от гармонии, от мелодии и от ритма - прокачает ваш универсальный и мощный язык выразительности чувства.

(в котором говорится об обещанном нахождении уникальности, своего творческго «Я» и раскрытии фантазии)

Базовые инструменты вдохновения - работают на раскрытие и вашей фантазии и ее выразительности в музыке. Выражая свой внутренний мир, и находя для этого нужные ритмы, гармонии, мелодии - вы уже закладываете выражение своего уникального внутреннего «Я», потому что этим то вы и уникальны в вашей фантазии и внутреннем мире.

 

Сделав хорошее отражение этого в материальном мире, сначала через фундаментальные основы - гармония, ритм, мелодия, а затем через все сложенные вами частности - все стили, что вам нравятся, и дополнив ими ваши аранжировки - вы в итоге придете к своему языку. Может быть своей гармонии, своим ритмам, свои звукам и прочему.

 

Путь этот не близкий. В целом, вполне нормально проходить такие этапы творчества

- подражание (это когда вы играете песни ваших кумиров и ваши творения похожи на них)

- ассимиляция (это когда отбирая наиболее интересные вам части всей встречанной вами музыки, вы делаете комбинации в попытке обрести цельность))

- новация (это тот самый момент, когда все найденные вами средства сложились в стиль, уже хорошо слаженно звучат. Вы не ищете больше во вне, чувствуете себя как дома, но желая развиваться начинаете что-то развивать внутри этого своего стиля и именно тут уже приходит новое - та самая новация)

 

Вы спросите а какие части брать, как складывать? О, это и есть уникальный индивидуальный путь) скажу просто – то, что нравится у других, то и отражает отчасти вас, собирайте себя по кусочкам из других) а если более глубоко взглянуть и дать финальный ответ я процитирую Джо Сатриани (увы не дословно): "Все найденные вами приемы, техники и изученное вами в музыке средства выразительности важны для того, чтобы помочь вам выразить наиболее удачно именно ваш уникальный внутренний мир, фантазию, выразить - ВАС!"

 

Путь их сложения всех этих частей, что однажды выразят цельно вас - не близок. Часто это минимум десятилетие упорного труда. Однако если прямо сейчас поставить ваш внутренний мир и способность его выражать посредством основ - гармонии, ритма, мелодии, и уже сейчас будете экспериментировать в аранжировках из элементов разных стилей, которые вы услышали в мире, то думаю - вы на верном пути)

 

P.S. В статье не удалось осветить все, что влияет на вдохновение и пока нет супер-пупер диаграммы этого влияния всего на вдохновение, но если тема будет интересна - то напишу эту диаграмму для самых продвинутых пользователей))

 

Оставить комментарий

Комментарии: 2
  • #1

    Евгений Суслов (Четверг, 21 Сентябрь 2017 09:15)

    Уделить столько внимания этапам, на которых можно строить вдохновение, и всё это обращено к новичкам и любителям, которых музыка зовёт, увлекает - это дорогого стоит! Именно к творчеству обращена эта статья, к тому, чего так мало у тех, кого учат в музыкальных школах (где формально - музыка, считается творческим занятием, но на деле творчества почти нет, а есть исполнительство). Может быть эта статья поможет и тем, кто немало обрёл в плане техники в музыкальных школах, но потерял в плане игрового отношения к музыке.

  • #2

    Олег Каранов (Понедельник, 25 Сентябрь 2017 02:53)

    Да, Евгений, поможет творить с радостью и эффективностью. Ведь творчество тем и дорого нам, что есть возможность прикасаться к желанным нам чувствам, быть увлеченными фантазией и возможностью наш внутренний мир делать частью внешнего посредством творчества и делиться этим творчество с другими :) Просто что б проторить эту дорожку - нужны навыки связывания духовного и материального хорошо выставленные и продолжающие развиваться :)